Aplicaciones finales

"Mitosis"

Pues bien, finalmente esta es la escultura abstracta correspondiente al proyecto final de Diseño 3. El procedimiento para elaborar cada una de las figuras fue detallado en los dos posts anteriores, así que puedes navegarlos si quieres ver los tutoriales y el proceso de diseño =D

Round 2: la maqueta de papel

De acuerdo, el alambre no funciona? ok, papel será entonces.
Como aún me quedaba un pliego de papel canson después de diseño II decidí que no sería tan mala idea abandonar el alambre después de toda la guerra que me dio para construir la primera maqueta.

Hace unos días encontré una tesis sobre escultura matemática de la Universidad de Valencia, por Zelaya Baez (se puede bajar el pdf aquí) donde mencionaba un programa con el que se pueden generar modelos en 3d de poliedros: Poly Pro 1.11, que se puede comprar aquí. El trabajar con moldes matemáticos y respaldada por esta tesis le daría mucha más fuerza al concepto y al proyecto en general.

Mi idea era crear el molde de papercraft a partir de esto, con el pepakura designer (nuevamente imaginaba sin saber lo complicado que podría resultar al final de cuentas), pero cuando ya creí que tenía dominado ese paso, resultó ser que la versión trial del programa no permite exportar los modelos en tridimensión de ningún poliedro.

Así que finalmente me concentré en localizar moldes ya hechos de papercraft, lo que debí intentar desde un principio, pero bueno, soy cabezona ._.) y encontré una colección excelente para este tipo de proyectos en www.korthalsaltes.com

Escogí trabajar con estos 2 modelos:
El icosidodecaedro fue el primero que construí en grande, pero era muy truncado aún, demasiado rígido para simular organicidad.


Entonces escogí el icosaedro truncado para la criatura grande y el anterior para la pequeña. Los imprimí sobre papel offset blanco de 120 g/m2 para que aguantaran un poquito y aquí va el segundo tutorial:


Como con todo molde de papercraft, las herramientas básicas para una construcción feliz y segura incluyen una base de corte (self-healing mat OLFA), un bisturí y una regla metálica para guiar los cortes, además de goma blanca escolar para ensamblar. Cuando algunas piezas son muy pequeñas es útil tener pinzas y palitos o agujas para ayudarse a pegar las pestañas.
















Todo es cuestión de ir pegando en orden, y antes de terminar, le quité el centro a la base del poliedro, y le dejé apenas una orilla para pegar las últimas pestañitas. Esto facilita la construcción, además de que el diseño original fue pensado con criaturas huecas. Debería verse así por debajo:











Son bastante fáciles de elaborar en realidad (y rápidos, cerca de 15 minutos c/u), la misma página donde se descargan contiene tips para hacerlos. Ah! y otro truco es pasar el cutter *por el lado contrario al filo* sobre las líneas de doblez, para que sea más limpio a la hora de ---doblarlo. Más fotos de poliedros ensamblados:














Ya una vez listos, sigue la etapa de hacer las patitas en alambre (sip, decidí al final mezclar ambos materiales y utilizar la influencia de Mariscal con mayor fuerza todavía =D) aquí viene por qué es necesario dejarle un borde abajo, este es el que sostiene la estructura de alambre.





Se construye igual que la maqueta del post anterior, calculando que quepa bien dentro del domo de papercraft.












Luego se le agregan unas 4 pestañas largas al interior del domo, para asegurar la estructura de alambre en su lugar.

Listo! el procedimiento para el grande es el mismo. Ahora solamente falta hacer los definitivos en el Canson Vivaldi y poner las 5 criaturas sobre una placa de balsa =D

Escultura Abstracta: construyendo la maqueta

Fui de compras sin saber realmente como iba a realizar mi escultura. Hasta este punto solamente se suponía que iba a trabajar el alambre, posiblemente pintado con spray para darle acabado. Sin embargo, encontré un alambre de aluminio recubierto de rojo carmín, que me encantó, así que compré un rollo y un alicate y aquí empieza el tutorial para construir mi maqueta =D

Materiales y herramientas:
Tres alicates básicos que sirven montones: el primero arriba es para cortar, el del medio para hacer aros y el de abajo para hacer ángulos o aplanar los nudos hechos con el alambre.
El rollo rojo pequeño que se en la esquina superior derecha es alambre rojo de 0.3 mm, que planeaba usar para hacer los amarres en la construcción.
El rollo grande es, obviamente, el alambre #28 que voy a usar para el trabajo. La idea es probar si realmente es cómodo trabajarlo y es factible para el proyecto final.

Primeros nudos:

Ese es el diagrama del primer nudo que intenté, es fácil de hacer con el alicate de abajo, se sostiene bien, pero no lo suficiente si no se aplana un poco al terminar.
El de arriba está cubierto con el alambre de 0.3 mm, pero no se ve muy limpio que digamos, y además se despinta mucho el alambre, en general, D:
Mala idea hasta el momento, aunque reparable tal vez, ahí va.









Este fue un segundo intento, que de hecho sostiene mucho mejor el alambre, sin que el paso de cubrirlo sea necesario (que de hecho se ve feo D: ), un cierre de 3 o más vueltas rodeando la unión funciona perfectamente, y a este punto, creo que no será necesario usar el de 0.3 mm en el proyecto.

Así se hace la unión:










Se hace el aro de alambre del tamaño deseado, se deja un pequeño margen que será el que se cubra con los anillos que sirven de amarre. En el segundo paso, se dobla un pedacito pequeño de modo que le quede un ángulo sobre el que se pueda apoyar el aro que hicimos primero y doblárselo alrededor.
Para hacer esto, se puede amarrar temporalmente el aro con un poco de alambre de 0.3 y luego darle 3 vueltas con el alambre #28 de modo que quede igual que en las fotografías anteriores.


De esta misma forma, se hacen varios anillos de diferentes tamaños, que serán la estructura principal:








Lo que sigue es hacer una serie de loops utilizando un solo alambre largo para que le de sostén a los aros que ya se hicieron (esta parte es considerablemente incómoda de construir, pero si se hace uno por uno ahi va saliendo).

Y así sucesivamente. Cuando se llega arriba, se empata con un nuevo alambre largo y se repite el proceso al otro lado (y es MUY posible que se quiebre alguna de las uniones de camino, así que se hacen los arreglos pertinentes y listo)


Las patitas se agregan utilizando la misma amarra de los 3 anillos. Se puede clavar en un pedacito de madera de balsa gruesa, y se le pone un poco de pegamento de contacto para fijarla a la superficie. Así debería verse al final (no es del todo fija, las partes quedan un poco flojas):

Y lo que puedo concluir de todo esto... es que no quiero hacer la escultura en alambre DX
Es divertido de elaborar, pero en este caso, pierde gran parte de la pintura durante la construcción, lo que le quita mucho acabado; a la hora de transportarlo casi se me destruye; y siendo esta la figura que lleva mayor tamaño en la escultura final, no quiero saber cuantas piezas se me van a quebrar antes de lograr terminar, por que entre más pequeñas sean, más hay que manipularlas y por consiguiente se dañan mucho más rápido.

Así que-- plan B nuevamente~ a buscar modelos de papercraft!

Escultura Abstracta: pulir el boceto

Bien, como no se puede quedar el proyecto solamente en el papel, era necesario someterlo a la aprobación del profesor y a una extensa discusión sobre cual sería el mejor material para elaborar la escultura.

En un giro un poco diferente, el profesor sugirió que me basara en el escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia, pues él crea esculturas sutiles que evolucionan en el espacio a partir de formas geométricas, lo que le da una unidad y un sentido racional-biológico a un objeto orgánico (o más bien, le da organicidad a un objeto inorgánico, que en nuestro caso resuelve el problema de diseño)

Escogí basarme especialmente en su serie "Génesis", y en los estudios que elaboró antes de la escultura monumental, este es uno de ellos, imagen obtenida de su sitio web:


De ahí surgió el boceto que está más arriba, como una primera idea, sin embargo, al profesor le había pareceido interesante la propuesta de una de las criaturas subida sobre la otra, así que aquí hice un dibujo más detallado, asimismo con base en los bocetos de Deredia:


Y los chiquillos en Pàtô me ayudaron a decidir que el mejor nombre sería "mitosis", pues la segunda criatura realmente se genera a partir de la primera- Ahora bien. al escoger que material se trabaja hay que tener una serie de factores en mente, entre ellos, el que éste no desvirtúe el diseño/concepto, sino que lo afirme.

De momento queda seleccionado el alambre para trabajar, y como plan B el papel canson (que desde un inicio hemos estado oscilando entre papel y metal :D) Ahora es conseguir el material y construir una maqueta.

Escultura Abstracta: etapa de concepto

Ok! este es el último proyecto del curso Diseño 3, que inclusive lleva una investigación escrita de fondo entre otros detalles que iré actualizando en el blog :D

La idea es realizar una escultura a partir de un "problema de diseño" (que es, por decirlo de algún modo, lo que uno quiere resolver con la elaboración de la escultura, por ejemplo, puede ser darle ambiente infantil a un parque o polemizar algún aspecto de la vida diaria; también puede ser, en muchos casos, aquel planteado por el cliente [ver post de Norberto Chaves])

El diseño debía ser inspirado por una pieza de la exposición 300% Spanish Design, que estará en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Costa Rica, hasta el 2o de Julio. No es fácil decidir una única influencia a partir de 300 objetos de diseño, así que para comenzar, pensé en el problema de diseño a resolver.

Muy por encima, puedo decir que pensé en "darle organicidad a un material que no la posee por su naturaleza", o más informalmente: hacer que la escultura parezca un ser vivo, a partir de las lámparas Pekín y lámpara de suelo Araña de Javier Mariscal y Pepe Cortés.


Sin embargo, me inquietaba otra propuesta: la silla Miralook de Javier Mariscal, que fue presentada también en color rojo en el MAdC

A partir de ambas, me senté simplemente a bocetear (imagen superior). Hemos estado trabajando en cobre durante los talleres de metal, y es bastante sencillo, por lo que pensé de primera entrada que podría utilizar este material. De haber sido así, se podía elaborar mediante forja en frío y calado, y eventualmente soldadura, de ser necesario. Pero deserté la idea D: no creo que me de tiempo para darle acabado suficiente Y- es considerablemente ...caro-

A pesar de todo, mi problema de diseño sigue siendo darle organicidad a un material, y tal vez trabaje con papel canson vivaldi :D

Bocetos para la aplicación

Este es un trabajo previo a la lámina metodológica que tenemos que presentar con 4 aplicaciones del abstraccionismo al diseño.

Las áreas a cubrir son: diseño de modas, de producto, espacio interno y arquitectura. En el caso del espacio tengo que replantear la aplicación con un fotomontaje sobre toda una habitación, no solamente un sillón por ejemplo (tal cosa pertenece a la categoría de producto :D)

Intervención del espacio urbano: Graffiti

Este es el graffitti que elaboramos en grupo durante la semana pasada. Más adelante subo un post con todo el proceso que seguimos para realizar este ejercicio =D

Gramática Visual: cinco tendencias no figurativas

En esta ocasión repetimos el habitual ejercicio de gramática visual, con la diferencia principal del nivel de iconicidad utilizado, que en este caso es cero.

Este es el mapa conceptual que elaboró el profesor sobre el tema:


Tal y como se explica (los cuadritos no corresponden al orden D: hasta ahora me doy cuenta), el primer cuadrito es el de irradiación "arte óptico", que busca crear un engaño, una ilusión óptica. Uno de los artistas que usé de referencia es Victor Vasarely. Elaborado con tinta staedtler negra.

En el siguiente se ejemplifica el "arte matérico" o "povera" de Antoni Tapiés, quien utiliza todo tipo de texturas táctiles en sus trabajos, lo cual les da riqueza gráfica. Utilicé papel de lija por sugerencia de adrian y agregué arena gruesa, pinturas acrílicas (en el caso del amarillo, le aumenté la textura con talco en polvo, eso le da consistencia y acelera el secado) y tinta negra.

Mi tercer cuadro corresponde al de Jackson Pollock, en "transformación y crecimiento", y este trata de superponer capas de colores, en este caso, por medio del dripping o dejar gotear los colores. Solamente trabajé con acrílicos esta muestra-

Posteriormente aparece el de "sistemas reticulares" de Piet Mondrian, de quien tomé la gramática de los colores primarios separados por líneas negras que le dan intensidad a cada sector. Pintado en óleo y tinta negra para las líneas.

El último representa la "simetría dinámica" también trabajada por Vasarely, es una pequeña reproducción de uno de sus trabajos, con un esquema diferente de color. Hecho con óleos.

Experiencia grupal: pintura abstraccionista

Esta es la prueba que hicimos en grupo en una lámina completa de cartón de presentación. Utilizamos acrílicos, témpera Cantilán, barniz de uñas, esponjas, pinceles, manos y espátulas para experimentar con la gramática abstraccionista. La idea simplemente era intentar diversas técnicas de aplicación de la pintura y obtener una imagen grupal a modo de introduccion al nuevo tema del curso: movimiento abstracto.

Escultura Futurista: detalles del proceso

Luego de presentar la hoja de estudio, fue necesario re-diseñar parte del proyecto, pues no se apegaba muy bien a la gramática futurista, sino que se debía ver aún más el movimiento. Así que hice un nuevo boceto, esta vez con la escala que iba a utilizar en la escultura real: 20 cm de alto.





















Para iniciar la escultura es necesario elaborar una estructura de cartón de presentación, para que la pasta solamente funcione como trabajo superficial y no se gaste mucho ni tarde demasiado en secar:





















Esta es la primera etapa de la base, la goma realmente no importa que se note mucho en este punto, al contrario, es necesario que quede bien fuerte la estructura, para que soporte la presión que uno ejerce al alisar la pasta de modelado, pero tampoco se debe dejar un acumulado muy grande de silicón, pues luego cuesta más cubrirlo con la pasta.
















Esa es la base de cartón ya completa, junto con las herramientas necesarias para el modelado:

Estecas o palitos que sirvan para detalles y reparaciones, pinzas para colocar piezas incómodas, aplicadores y goma blanca para pegar la pasta y reparar grietas, un tubo para amasarla y especialmente "crema de rosas" que funciona para evitar que la pasta se pegue a las superficies de trabajo.

Para modelar básicamente se coloca goma blanca (no mucha) sobre la estructura pero por sectores, luego se amasa (que quede bastante delgada) una lámina de pasta y se pega en el cartón- Así sucesivamente, mientras que las uniones se suavizan con un poco de crema de rosas y se pulen mejor cuando ya están un poco secas ambas partes con la ayuda de los aplicadores y un poco de goma.

Este es el producto final en crudo:

Aún falta un poco de acabado con spray blanco y estará listo- :D

Aplicación: una pieza de joyería

A partir de los temas vistos dentro del futurismo, debíamos crear un objeto utilitario, que además sirviera para aplicar los conocimientos de los talleres que llevamos.

Escogí hacer un colgante calado en cobre, con el diseño de una caracola que aparece en la última página de esudio que subí al blog. Esta es la fotografía ya terminado:


En un papel se dibuja la figura que se desea calar, luego se adhiere con goma en barra a la plancha de cobre (o bien se hace en papel adhesivo). Luego con ayuda de un arco de joyería, se cala completamente (y para el calado interno se perfora primero con un taladro) y cuando está listo, se le da acabado con limas para metal.

Después de esto, se usa una lija 400 para pulir la superficie de la pieza, y los colores se obtienen por medio de la técnica de "pavonado" que consiste en aplicar el soplete de oxiacetileno a la misma, en lo cual me ayudaron danimu y dani de sainz :D

Óleo Futurista!: trabajo final

Esta es la fotografía de la pintura ya acabada:


corregí la mayor parte de los tonos que utilicé inicialmente y le di más detalle a los tornillos- eliminé los tonos rojizos que había en las últimas platinas y piezas metálicas-

Estudio previo para la escultura

Esta es la página de estudio que realicé para la escultura:

utilicé como objeto un molino de viento, y aunque en los primeros bocetos solamente contaba con mi memoria, ya en los esquemas posteriores sí me basé un poco más en una fotografía. La imagen superior izquierda es la misma escultura de Boccioni del post anterior, decidí utilizar la misma gramática y dinámica de líneas que él.

El boceto inferior derecha es como una vista previa de la escultura, la cual planeo construir con cartón de presentación y tal vez estereofoam si es necesario, y luego la recubriré con pasta de modelado (creo que voy a trabajar con una pasta nueva "SYR" que venden aquí, es de textura similar a la porcelana fría o el pastillaje, seca al aire y es más manejable que el DAS, Jovi o en su defecto, la plasticina.)

Ah! y el diagrama superior derecha es de el siguiente ejercicio que subiré al blog, es una aplicación del futurismo, una pieza de joyería que estoy trabajando en cobre durante el taller de metal, aún falta pulirla un poco y esmaltarla-

Reporte de exposición: Zoomitografías

Un breve comentario sobre la exposición de dibujo del profesor Rodolfo Rojas-Rocha, para descargar haga click aquí
Para ver su obra completa, pueden visitar aquí

Escultura Futurista

El siguiente ejercicio es la elaboración de una escultura futurista, a partir de todo el proceso investigativo que hemos efectuado hasta el momento en este curso, a modo de proyecto final.

Se necesita de un orden para crear la escultura modelada, el cual comienza con el planteamiento conceptual-gráfico. En este caso elaboramos una página de bocetos en grupo, para guiar un poco las ideas que podrían servir para el trabajo:

Decidí continuar con la idea del tornillo, sin embargo el profesor prefirió que trabajara con un sólo objeto de carácter más sencillo, y no con el módulo de la fotografía en movimiento, pues esto haría que la escultura sea demasiado abstracta y no se reconozca la figura inicial (ah si, de hecho, el ejercicio debería calzar en el nivel de iconicidad semi-figurativo)-


Además, el trabajo debe ser a partir de un autorretrato o de naturaleza muerta; y un ejemplo ideal del segundo es esta escultura de boccioni:

Ahora solamente falta elaborar un página de estudio e iniciar con el modelado-

Niveles de iconicidad y gramática visual

Según el seminario anterior, se asignó un trabajo en el que se pudieran apreciar cada uno de los niveles de iconicidad, representado con diferentes las gramáticas visuales (tal y como aparece en el mapa conceptual):

Decidí seguir trabajando con la fotografía de movimiento que hice para el ejercicio de gramática visual, de modo que se note la diferencia de iconicidad desde una misma imagen.

Seminario: niveles de iconicidad

Es un boceto que hicimos en grupo Adrián,Gabú, Dani de Sainz y yo para la explicación sobre los niveles de iconicidad en los que se puede clasificar una imagen. Nuestro ejemplo es el de la abstracción, el último nivel de iconicidad, desarrollado en este caso con la gramática fragmentada.

En el mapa conceptual siguiente se amplía la información:

Gramática Visual: estudio del futurismo

Al igual que el ejercicio anterior de impresionismo, la pincelada en la pintura futurista se puede dividir en 4 tipos: analítica, impresionista (o fragmentada), movimiento e híbrida.


En el primer caso, los ejemplos de pintores (predecesores del futurismo) son Cézanne, Picasso o Georges Braque. Es una pincelada en planos básicamente, en especial comparable con el cubismo analítico.

La pincelada divisionista (puntillismo) es lo que conservaron algunos futuristas del trabajo de Seurat en especial; uno de los que más la utilizó fue Boccioni. En la tercera utilicé la misma fotografía del header del blog con un poco de edición en Photoshop para simular exposición lenta, la pincelada es la de movimiento.

Y para el último utilicé como referencia un retrato de Picasso por el pintor Gray. Es difícil encontrar la pincelada híbrida en internet, pues consiste en la misma estructura portante de planos en la analítica, sólo que se elabora el cuadro utilizando el puntillismo.

Este es el mapa que facilitó el profesor sobre el tema:


Hay un par de correccioncillas que hacerle a la ciudad tornillo, pero hay que re-construirla prácticamente así que tomará algún tiempo :D